Galeria Metta-Manuel Vilariño

MANUEL VILARIÑO.INSTANTE AMARILLO
Octubre 2007

Vilariño es fotógrafo, pero en su actitud está muy próximo a la pintura y a la poesía. No quiero decir que sus fotografías sean poéticas, un término que utilizado como adjetivo suele entenderse de un modo blando. Las obras de Vilariño son materias (abruptas a veces) de poema, y resulta inevitable que, en su camino solitario, terminen pareciendo crípticas. Como le ocurre a mucha pintura barroca española (con la que coincide en dar protagonismo esencial a la luz, al color, pese al dominio de sensaciones de densidad, de noche extrema), tras una apariencia realista, fácil de ver, se intuye un tamiz de simbologías, de sentidos semiocultos, de pensamientos esbozados, que añaden intensidad y tensión a lo mostrado. En ocasiones, sus obras funcionan como poemas breves, por su chispa, por su inmediatez, por su luz, por la sorpresa del regreso, la relectura; en otras, la materia poética se hace física, densa, opaca, severa.

Cuatro obras reciben al visitante en el primer espacio. La mayor de ellas, Paraíso Fragmentado (1998-2003), sólo es visible desde dentro de la sala, tras reparar en la gran sombra amenazadora del Animal Insomne II (2007), la imagen de un lobo aullando, en un tríptico que tiene relación con las soluciones dadas a Metamorfosis de las sombras (2002), un gran friso de ausencias o cambios de estado, resuelto con cálido ascetismo en blanco y negro, que fue pieza central en sus individuales del CGAC y el MEIAC. Cerca del Animal Insomne II, representa su hábitat en un extraño paisaje (una montaña límite, helada, con la luz auroral del amanecer) que titula Montaña negra, Nube blanca (rescate de unas imágenes tomadas en 1999): la nitidez frente a las sombras. Desde el fondo de la sala, a modo de contrapunto, nos vigila Cascudo (2005), unión de ambas sensaciones, la imagen de un escarabajo negro, con apariencia de emblema medieval petrificado. El escenario donde se muestran estas visiones no es otro que el Paraíso Fragmentado, el friso que contiene 15 naturalezas muertas, a modo de ofrenda bramánica, con los animales del paraíso sobre especias, en un estado que puede ir desde la muerte o el descanso al tránsito; una obra, con algo de cántico coral, abierta a múltiples posibilidades interpretativas (los círculos, cuadrados o mandorlas que centran los cuerpos de los animales), que fue expuesta en el Pabellón de España (al que daba nombre) de la 52ª Bienal de Venecia.

El misterio y la simbología vuelven en el segundo espacio, en el que muestra un fragmento de Tabla BWA (2007), obra también expuesta en Venecia, con aires de homenaje a Bergman y otro más crítico a África, el lugar donde puede celebrarse esa hipotética partida a la que nos remite un tablero en el que alternan piezas de madera y calaveras. Alusiones al viaje y a la muerte, o simple voz elegíaca en la que se aúnan el dolor y la esperanza. En este caso, el diálogo se establece con las imágenes que parecen fijar el tiempo en el que se consumen unas velas (Instante amarillo, 2006-7), que reaparecen como motivos centrales de limpias naturalezas muertas, de bodegones con composiciones clásicas (la triple repetición del motivo de la vela y el cráneo en el preciso Despertar, de 2001; la búsqueda de espacio en Bodegón con garza, de 2004, o de encuentro entre lo real y lo cambiante en Bodegón con pájaros, de 2005). Finalmente, en la última sala, con obras de la serie A la aurora (2005), recrea la luz lejana de esa hora azul, ese momento de temblor, de silencio, de espera, frente a la luz atávica. La composición es sencilla e intensa: el encuentro, en una serie de dípticos, entre un paisaje de luz auroral y un objeto a modo de bodegón. Un paisaje nórdico, de nieblas con tierras, frente a un nido de ave; una laguna auroral frente a una esfera metálica gris sobre negro fondo nebuloso. Tiempos de espera, de tránsito, de cambio. Ascensión y desaparición como cierre a un medido recorrido de emociones e intensidades.

Extracto del catálogo editado por Metta. Manuel Vilariño. Instante Amarillo. Miguel Fernández-Cid.

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Vilariño is a photographer, but in attitude, he is very much like a painter or a poet. I am not trying to say that his photographs are poetic, a term that goes rather soft when used as an adjective. Vilariño's work is the stuff (abrupt at times) of poems, and in their solitary journey, it is unavoidable that they end up seeming cryptic. As in the case of many Spanish Baroque paintings (similar to Vilariño's work in that light and color take center stage, despite the dominating sensations of density and extreme night), behind its realist appearance, which is easy to see, there lies a sieve of symbolism and half-drawn thoughts that add intensity and tension to what is shown. Sometimes, his pieces work as short poems on account of their spark, their immediacy, their light, the surprise of coming back, their second reading. Other times, the poetic stuff turns physical, dense, opaque and severe.

In the first space, visitors are greeted with four pieces. The largest, Paraíso Fragmentado (1998-2003), is only visible in the hall when resting in the large, threatening shadow of Animal Insomne II (2007), the image of a howling wolf, presented in tri-fold in a way related to the solutions provided in Metamorfosis de las sombras (2002), a large frieze with absences or changes of state executed in black and white with a warm asceticism that was the pièce de resistance in his exhibitions in the CGAC and the MEIAC. In the proximity of Animal Insomne II , his habitat is represented in a strange landscape (an extreme, icy mountain under the dim light of daybreak) entitled Montaña negra, Nube blanca (a rehashing of shots taken in 1999): crisp clarity in the face of shadows. As a counterpoint of sorts, from the back of the room, a watchful eye is cast by Cascudo (2005), the union of both sensations. The image is that of a black beetle that looks like a petrified medieval emblem, and the scene offering up these visions is none other than Paraíso Fragmentado , the frieze containing 15 still lifes, a sort of Brahmanic offering, with animals from paradise laid out on spices, in states ranging from death or rest to movement. It is a piece with something of a choral hymn, open to multiple interpretations (the circles, squares or mandorlas that frame the bodies of the animals), and was displayed in the Spanish Pavilion (named after it) at the 52 nd International Art Exhibition in Venice.

Mystery and symbolism return in the second space, which reveals a fragment of Tabla BWA (2007), a piece also exhibited in Venice, which pays a sort of homage to Bergman and looks with a more critical eye upon Africa, the place where this hypothetical game, with alternating wooden pieces and skulls on a playing board, could take place. These are allusions to the journey and to death, or simply the sad voice that unites pain and hope. In this case, the dialog is established with images that seem to fix the time taken for a candle to burn down ( Instante Amarillo , 2006-7), which reappear as the central motifs of clean still lifes, classic in composition (the thrice repeated motif of the candle and skull in Despertar , 2001; the quest for space in Bodegón con garza , 2004; or the quest for the encounter between the real and the changing in Bodegón con pájaros , 2005). Finally, in the last hall, using pieces from the A la aurora (2005) series, he recreates the far-away light from that blue hour, that moment of shuddering, silence, waiting before atavistic light. The composition is simple and intense—in a series of diptychs, the meeting of a landscape lit by the light of daybreak and a still life-type object: a Nordic landscape of earth and fog vs. a bird's nets, a morning lagoon vs. a gray metal sphere on a black, nebulous background; times of waiting, of movement, of change; ascension and disappearance as closure in a measured journey through emotions and intensities.

Extract of the edited catalogue by Metta. Manuel Vilariño. Instante Amarillo. Miguel Fernández-Cid.

MANUEL VILARIÑO
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